Mientras muchos arman el bolsito para emprender sus vacaciones en la primera quincena de febrero, otros todavía persisten el calor en la ciudad en este primer enero de 2012 que llega a su fin. Aquí van algunas recomendaciones para el finde:
Ciclo Risco en Le Bar
Mañana desde las 12 de la noche, el Le Bar (Tucumán 422) abre sus puertas para recibir a Diosque y Londres en vivo, y DJ joven.
Juan Román Diosque es un cantautor y productor que presentará su primer disco de estudio “Bote”, coproducido también junto al gran Daniel Melero, además de otras canciones de sus anteriores producciones.
Por su parte Londres, es el proyecto solista de nuestro amigo Agustín Ceretti quien se entrega a la experimentación más pura en este camino iniciado en el 2007.
Fuck Folk x 15
Bosques,Gira Peonza, Niño Elefante y Luciann entre otros, perfenecen a Fuck Folk, un sello virtual destinado a compartir un amplio abanico de músicos independientes a través de la publicación on line de sus materiales y la concreción de fechas en el ciclo Fuck Folk que mañana llega a su edición 15.
Desde las 12 de la noche se presentarán en El Emergente (Gallo 333) en el Abasto: Titanes
Creer que en el siglo XXI el rock está muerto y apostar y viralizar nuevos e impronunciables ritmos es la gran equivocación de la industria musical.
Encontrarse con una banda como “Víctimas de Zurich” y un CD como “Aires Viciados” hacen que uno vuelva a escuchar un sonido conocido y a disfrutar de la música.
Los temas sobre los que hablan en “Aires Viciados” son conocidos por todos, capitalismo, explotación, pobreza, depresión, angustia, tristeza.
Estados del hombre en la actualidad, un hombre desmembrado, aburrido, bucólico, deprimido, y que puede encontrar en una bandada de palomas la cristalización de la pobreza o en el petrolero el enemigo número uno de la sociedad.
Diferentes ritmos, no sólo el rock, alimentan al grupo.
“Víctimas de Zurich” pasa del reggae a la protesta apocalíptica con reefs diabólicos en un segundo. Y ese eclecticismo y escepticismo es lo que definen su discurso.
Las Victimas de Zurich “no tienen consuelo”, “tratan de remarla”, “no se venden”, y le piden ayuda a sus ángeles, utilizando un lenguaje simple y de barrio.
Pero la lectura que hacen del posmodernismo y dentro de él, revisten de originalidad su música.
El CD es ideal para escucharlo debajo de un árbol y no ver el noticiero un par de días.
Prometen disco y shows para este año.
“Aires Viciados” data de 2008.
Pero “Víctimas de Zurich” continúa rockeando.
“Víctimas de Zurich” son: Domingo Sad, Rubén Heredia, Alejandro Roig y Leonardo Barrios.
Más info en en su sitio oficial: www.victimasdezurich.com.ar o en www.myspace.com/victimasdezurich
La edición carioca del festival de música made in España, Sonar, suma nombres para sus fechas del 11 y 12 de mayo en Sao Paulo, Brasil.
Este evento con casa madre en Barcelona y nacido en 1994 trata de catapultar a nuevas voces nacionales e internacionales además de grupos consagrados a nivel mundial.
Se repite en varias ciudades del mundo, y en Latinoamérica traerá al estadio Arena Anhembi a Justice, Alva Noto & Ryuichi, Sakamoto, Four Tet y Modeselektor, entre muchos otros. Tal vez alguno de ellos cruce el charco y nos visite.
El verano suele ser un buen momento para emplear algunas horas más de nuestro tiempo escuchando y husmeando música. Por eso, quisimos hacer una recopilación de algunos videos cosecha 2012 o algunos de diciembre de 2011 que pueden haber pasado desapercibidos en la vorágine que conlleva ese mes en el cual pareciera que muchos queremos hacer lo que no pudimos hacer durante todo el año.
La siguiente es una lista con mucha variedad. Audio e imágenes para todos los gustos.
First Aid Kit - Emmylou
El duo sueco compuesto por las hermanas Söderberg, se encuentra próximo a editar su nuevo disco, titulado The Lion's Roar. Como adelanto presentan Emmylou, uno de los temas del LP, que se trata de un homenaje a sus artistas country predilectos. En medio de un parque nacional de California (EE.UU.) realizan rituales nativos y bailan en el medio del árido paisaje.
Alison Mosshart y Jamie Hince festejan la primera década de la banda con un EP para su último corte The Last Goodbye. El disco tendrá, además, tres covers: Crazy de Patsy Cline, Pale Blue Eyes de The Velvet Underground y One Silver Dollar popularizada por Marilyn Monroe. El lanzamiento será el 14 de febrero, pero mientras tanto podemos disfrutar del video que acompaña al tema, dirigido por la actriz nominada al Oscar, Samanta Northon, en el cual vemos a Mosshart y Hince en una cabina de fotos (fotomatones según algunos lexicos foráneos).
Como no queríamos dejar a nadie afuera, preguntamos en a nuestros lectores, amigos y colegas, qué videos podían recomendarnos. Así es como @lupayer nos hizo llegar su sugerencia: Sprawl II (Mountains Beyond Mountains) de Arcade Fire (que salió a fines de 2011). El trabajo tiene un trabajo estilístico admirable y quienes gustan de la danza seguramente sabrán apreciarlo. Pero además, posee una versión interactiva en la que se puede "guiar" a los bailarines mediante el mouse o los propios movimientos frente a la cámara web (a nosotros nos fue mucho mejor utilizando el mouse). La versión interactiva puede visualizarse en www.sprawl2.com, la versión común y corriente a continuación:
Lana del Rey - Born to die
Mientras tanto, en otra popular red social llamada Facebook, Emilio Arevalo nos recomendaba el último video de Lana del Rey, que para aquellos que recién la conocemos nos puede parecer una mezcla de Lady Gaga y Florence Welch, y que está haciendo (estrategias promocionales mediante) mucho ruido en Estados Unidos aún sin disco editado (Born to die, su primer LP, saldrá a la venta el próximo 31 de enero). Aquí la vemos haciendo gala de su estilo gangster.
BONUS: Arctic Monkeys - Black Treacle
No podemos dejar de mencionar lo más reciente de los Arctic Monkeysque nos ofrecen la curiosa historia de un fugitivo acompañando a su último corte Black Treacle.
Tiene apenas 23 años, es diseñador gráfico y también un músico que reside en México.
Oscar Rodríguez es un artista que bajo su nombre Matilda Manzana entrega las más variadas melodías folk en solitario o en conjunto.
Hace poco lo reseñamos en nuestra nota "conocemos sonidos", y hoy él nos cuenta qué anduvo escuchando últimamente vía tierras aztecas.
- ¿Qué cosas te apasionan?
- Me apasionan mil cosas, la mayor parte pueden ser cosas muy estúpidas. Por ejemplo, hace poco ví un video donde un oso mueve su pata como si saludara. De igual forma me fascinan las profecías de como terminará el mundo, mi novia, el internet, mis amigos, la naturaleza, el cine, los perros, la vida en otros mundo, lo D.I.Y., el espacio y el ruido. No soporto el silencio ni la mayonesa.
- ¿Cómo conviven en tus proyectos y trabajos?
- Creo es un poco difícil hacer que todo esto conviva en lo que hago, soy diseñador gráfico de profesión, pero me encanta intentar hacer música o sonidos con lo que me rodea, ponerme a escuchar todo y analizarlo. Más que la teoría me baso mucho en lo que llego a sentir y creo que todo lo que me apasiona funciona del mismo modo. Al final, creo que mi música es una pequeña muestra de todo lo que me gusta, aunque no creo que se llegue a notar.
- ¿En este momento en que te encuentras trabajando?
- En cuanto a Matilda Manzana que es mi proyecto principal, estoy empezando a imaginar el concepto del nuevo material, quiero que sea de larga duración y sea toda una experiencia audiovisual, para esto me tomaré el tiempo necesario. Aún así quiero tener más presentaciones en vivo. Paralelamente estoy trabajando en dos proyectos musicales alternos totalmente diferentes y algunas colaboraciones. Así mismo trabajo con mis amigos en un despacho de diseño llamado Diseño Porfavor.
- ¿Qué tipo de música escuchás?
- Casi no escucho música clásica, ni blues ni jazz, llámenme inculto. Para fines prácticos podría decir que escucho mucho Pop, no soy partidario de las miles de etiquetas que existen, pero bueno, si me preguntaras por seis artistas, lo primero que me llega a la cabeza es: Grimes, Los Macuanos, Avey Tare, Yuck, Atlas Sound y James Blake.
- ¿Cuáles son los tres discos que escuchaste últimamente?
- "Purple Naked Ladies" de The Internet, "Testigos del fin del mundo" de Capullo y un disco que me hizo mi novia en mi cumpleaños que trae a Los Campesinos!, The Walkmen, Los Migues, Wavves y ondas así bien padres.
La revista on line dedicada a la música independiente, Play Ground Magazine, nació en el 2008, en España. Desde allí se ocupa de cubrir toda la actualidad musical de su país y del exterior. Hace poco recibimos su correo para entablar una amistad e intercambio de materiales a partir de febrero. Eso sí, tenemos un adelanto de cúales fueron sus álbumes preferidos en el 2011 que se fue.
2011 en álbumes según PlayGroundMag
15. AraabMUZIK: “Electronic Dream” (Duke)
Que nadie vea este álbum como un capricho, una boutade o una freakada anecdótica. Ni siquiera como una colección de remezclas o una ridiculización de las fuentes originales –aunque la comunidad pastillera se haya echado las manos a la cabeza ante tamaña profanación–.
“Electronic Dream” es la resolución de una ecuación imposible en nuestra cara. El trance épico, el dance comercial, el hardcore poligonero y la cyberdelia seborreica no se crean ni se destruyen, se transforman… en hip hop oscuro, seboso y dañino. Sonidos inofensivos y ridiculizados hasta la saciedad son, en Araabmuzik, cócteles molotov con clavos envenenados. Y la enajenación nos depara obras maestras como “Free Spirit” –mi iPod la odia de tanto darle– o “Feelin So Hood”, brutal y satánica remodelación del “Feelin’ So High” de Starchaser. Me inclino. Óscar Broc
Partiendo, como lo hacen, de improvisaciones, es impresionante que el resultado en “Eye Contact” tenga un aspecto tan pop, aunque solo sea en la superficie, ya que a pesar de los continuos ganchos melódicos, los temas de este disco escapan de la estructura tradicional de las canciones pop.
Es evidente lo bien que se conocen los componentes actuales del grupo entre ellos, y esta es la causa directa de que cada uno de los temas, dentro de la flexibilidad de sus estructuras, parezca tener una irrefutable lógica interna. Así, lo más interesante del disco es comprobar cómo los temas fluyen y van creciendo en intensidad, cómo dialogan unos elementos con otros, y como estallan inevitablemente en deliciosos momentos de éxtasis.
El ejemplo más obvio, claro, es el de “Glass Jar”, los once minutos con los que arranca el álbum desperezando al oyente y remitiendo a las excursiones cósmicas de los setenta. Iván Conte
Al principio, encontré en la música de “Severant” una cualidad nostálgica, aunque esto es algo que se desprende más de la variedad de sonidos que dibuja Kuedo más que de una intención real por su parte.
La música está construida, principalmente, a partir de bases de juke / footwork y rap sureño –patrones de percusión intensos, acelerones de hi-hat y síncopes que están entre lo maniático y lo estimulante– combinadas con melodías que utilizan sonidos envolventes de sintetizador que citan de una manera casi obvia a artistas como Vangelis.
No es ninguna sorpresa, pues fue Vangelis quien compuso la banda sonora de “Blade Runner”. Son esos sonidos de sinte que encontramos en “Scissors” y “Truth Flood” tras múltiples escuchas repetidas, con su cualidad sonora intrínseca siempre evocadora de nostalgia, los que te ayudan a ver más allá de esas emociones obvias para llevarte a un paisaje mucho más “real” y bello. Laurent Fintoni
12. Metronomy: “The English Riviera” (Because Music)
En “The English Rivera” abundan saxos, maracas, teclados que suenan como guitarras y viceversa, falsetes al borde de la horterada (“Trouble”) y destellos de funk blanco. Todos los temas son fantásticos e imaginativos, tan eclécticos como meticulosamente ensamblados.
“We Broke Free”, que suena tras escuchar el rumor de las gaviotas y de un oleaje cercano, no sólo presenta el paisaje invitándonos a entrar en el disco sino que parece decirnos entre líneas que estamos ante un nuevo amanecer para la banda. “The Look” es contagiosa como una gripe y “The Bay” un hitazo a la altura de los mejores Hot Chip. “Loving Arm” parece The Cure jugando al Tetris, la juguetona “Corinne” también se vale de ruiditos de videojuego para escribir su extraño ADN y “Some Written” recuerda a unos Penélope y Carlo de bajona en un hostalito costero.
Al final, tras la galáctica “Love Underlined”, uno se queda con ganas de más, atrapado sin remedio bajo el influjo de un disco insaciable y muy bien cuadrado que les ha quedado redondo. CR
11. Oneohtrix Point Never: “Replica” (Software Records)
Con “Replica” Daniel Lopatin se sacude cualquier posibilidad de estancamiento en su propuesta y ofrece una reinvención de su sonido. La emoción apuntada en los breves dos minutos de “Ouroboros” del anterior disco se convierte aquí en omnipresente. Así, el disco arranca con la calidez ambient cercana a la new age de “Andro” y demostrando una vez más su capacidad para crear pasajes sonoros capaces de evocar con fuerza paisajes geográficos, en este caso glaciales, desolados, en una suerte de revisión hipnagógica del romanticismo. Sobre estas placas de sonido helado planean los sintes y otros sonidos que hemos aprendido a asociar con Oneohtrix Point Never. Tras la calma inicial, el fondo sonoro empieza a agitarse con ruidos de diversa procedencia, hasta desembocar en una amalgama de ruido y percusión que enlaza a la perfección con el punto en el que lo había dejado al final de “Returnal”. IC
En los últimos meses se ha multiplicado de manera casi asfixiante la publicación de discos de beats abstractos –casi todos venidos de la colmena californiana; casi todos con la intención de aprovechar el camino abierto por FlyLo–, y esa cantidad ha ido en detrimento de la capacidad para sorprenderse y encontrar matices nuevos en una estética que sigue siendo a priori interesante, pero cada vez más fotocopiada.
En cambio, Clams Casino activa los centros del placer instantáneamente, sus bases –sencillas en el fondo, con un delicado lecho de sintetizadores, leves cuerdas sintéticas y más melodía que caja de ritmo– son de las que inmediatamente ponen a circular las endorfinas al transportar, de una forma nada forzada, apuntes de dream pop, soundtracks, shoegaze y pop bucólico a sus tejidos oníricos. JB
Si el primer álbum de James Blake funciona no es como un disco de dubstep. Más bien se presenta como un nuevo eslabón en esa tradición británica del soul blanco cruzado con la electrónica más inquieta del momento.
Aunque la referencia más clara en este sentido es la del estadounidense Arthur Russell, debido al registro emocional sustentado en una voz inmediatamente reconocible, en la fisicidad del sonido y en los graves y silencios, también se pueden ver rastros de Robert Wyatt o Scritti Politti, ya que al igual que estos Blake ha salido de un contexto de exploración electrónica muy concreto –el sonido Canterbury y el post-punk, en los casos de Wyatt y Scritti Politti– para renovar las posibilidades del soul-pop desde una óptica más experimental. IC
Si su debut es un disco de eminentes raíces folk, entroncado en la tradición de Neil Young y demás iconos del género, “Bon Iver, Bon Iver” es un álbum de banda que ya no tiene tan claras sus coordenadas estilísticas porque presenta una absorbente amplitud de miras que se resiste a la clasificación.
Con la ayuda de un grupo en el que encontramos a personalidades como el saxofonista Colin Stetson o el guitarrista Greg Leisz, Justin Vernon echa mano de influencias del pop y del soft-rock de los 80, amplifica su paleta de recursos expresivos (instrumentos de viento, coros, algún arreglo electrónico, algún solo de guitarra, omnipresencia de teclados, producción cargada, intensidad percusiva, paisajes ambient), se desmarca con una secuenciación portentosa y da un giro irresistible a sus canciones. Cuando la opción cómoda, asequible, segura, pasaba por acogerse a los esquemas ya asimilados de su ópera prima, el de Wisconsin ha optado por el camino contrario, un sendero repleto de trampas y peligros, mucho más arriesgado, en algunos momentos incluso polémico –“Beth/Rest” no dejará indiferente, órdago de mucho cuidado–, que nos lleva a dos grandes conclusiones: hay mucha vida más allá de “For Emma, Forever Ago” y Justin Vernon no es un cantautor al uso. DB
7. Tim Hecker: “Ravedeath, 1972” / “Dropped Pianos” (Kranky)
El sonido sale escupido de aquí como si fuera una bola de viento, nieve y fuego con infinitos matices, alturas y volúmenes, y golpea el oído –de hecho, todo el cuerpo– como si fuera un muñeco de trapo maltratado por un ejército de puños.
No es un cañonazo, sino una ráfaga de ondas a presión propia de un arma del futuro. Esos sonidos son de todo tipo: están los característicos drones de ruido maligno propios de Tim Hecker –recordemos: antiguo aficionado al metal extremo–, están los paisajes gélidos de electrónica contemplativa y están los usos inadecuados de todo tipo de instrumentos convencionales.
Guitarras, pianos, y sobre todo un órgano de iglesia: un juego de planos y contraplanos arrojados contra el cuerpo del oyente como si fuera una olla de sopa hirviendo, un alud de nieve o un haz de rayos láser. Otra obra mayor más en la producción de Tim Hecker, uno de los grandes talentos del ambient moderno. JB
Si esto no es la banda sonora del gueto nada puede serlo ya. Y todo ello armado desde un prisma expresivo y creativo poco acomodaticio, una portentosa exhibición de talento sublimado al servicio de una idea: presentar con sencillez y naturalidad canciones extremamente complejas y elaboradas.
“Undun” no sólo es el disco de hip hop más bello de 2011, también es un maravilloso acto de rebeldía, una anomalía sin parangón en el género en los tiempos que corren. En un momento en que se premia la inmediatez, las prisas y la explosividad del aquí y ahora, The Roots demuestran a todo el mundo que esto es un viaje de largo recorrido y que a veces necesitas haber grabado diez álbumes para dar con tu referencia más redonda y completa, sin un solo minuto de relleno o fuera de lugar, y con un dominio impecable y ejemplar de la emoción.
Podemos interpretarlo como queramos –¿es un disco sobre la muerte o sobre la vida? ¿es una parábola sobre la actualidad social o sobre el estado del hip hop?–, pero sea cual sea nuestra lectura la conclusión debe ser exactamente la misma: agradecimiento eterno. DB
El debut en LP de Balam Acab guarda algunas similitudes con Burial, o mejor dicho, con el efecto interior que sembraba Burial cuando se le escuchaba por primera vez y te dejaba el estómago hecho un ovillo y el corazón sobrecogido.
Los parecidos son más espirituales que estéticos, abren una puerta a una dimensión parecida del sonido bello, aunque uno lo conseguía desde el dubstep y la larga tradición de la música rave inglesa y Balam Acab lo hace desde el R&B y el pop –eso sí, con un uso de las voces parecido y sin descuidar nunca el deslizamiento ambiental de los temas–. El signo distintivo de Balam Acab, el tipo de música que le hace único, se aprecia sobre todo en “Motion”, una fantasía soul –con generosos juegos malabares de cuerdas– inundada en ambient acuático por la que flotan trenzados vocales que antes encontrábamos en TLC o Aaliyah.
Momentos así indican que en su educación musical debe haber muchas horas de radio escuchando las emisoras de hip hop y tomando nota de esas gargantas de azúcar y las bases de inclinación más futurista. Pero eso es sólo una parte del admirable conjunto que es “Wander / Wonder”, pues cualquier estilo o límite queda diluido entre una asombrosa inundación de texturas. JB
“Let England Shake” es un disco político, pero a la ‘Harvey manera’. En sus versos hay referencias a la Primera Guerra Mundial, a los nacionalismos, a los tiempos históricos de Entreguerras, al desastre de Galípoli de 1915 en Turquía, a Irak y Afganistán, a las pinturas negras de Goya y al simbolismo pictórico de la Guerra Civil de Salvador Dalí.
El resultado: otro disco sobrecogedor, fantasmagórico, tétrico, absolutamente distinto y perfecto sobre el comportamiento cíclico de los humanos que les lleva a luchar y a estar en conflicto permanente. Desde el inicio del disco con la homónima “Let England Shake” PJ dibuja con imágenes ultraviolentas –“soldados que caen como cachos de carne”– cantadas con una voz tenebrosamente feliz un campo de batalla lleno de sangre y sumido en tinieblas eternas.
PJ se convierte en una trovadora que entona las calamidades de la guerra, una juglar que iría trotando de ciudad en ciudad musicando historias atroces que son los doce cortes de su álbum. La música es etérea, la voz enérgica, los versos brutales: en ellos está toda la importancia, oscuridad trascendencia y grandeza de este disco. Marta Hurtado de Mendoza
La colección de ideas por minuto que ofrece “Glass Swords” es difícil de encontrar en cualquier otro disco que funcione en esas intersecciones entre (a escoger) el boogie, el hip hop, el post-dubstep, el sonido de videojuegos y/o la IDM. Hay álbumes muy buenos ahí fuera, pero el de Rustie los embute a todos en uno solo, en poco más de 40 minutos, con una voracidad implacable y sin parecer nunca apresurado.
Eso es lo milagroso: las ideas se suceden con ansia bulímica, las engulle y las metaboliza sin haber podido reaccionar y tras un giro inesperado viene otro, pero nunca se tiene la sensación –como ocurría antes con sus propios beats– de estar siendo maltradado mentalmente, de estar sufriendo una violación a través del oído. Ahí está expuesto, al desnudo, todo su talento: sintes clintonianos –y clitoridianos– y melodías propias de Hall & Oates, beats selváticos, incursiones en el ghetto-tech con voces de ardilla y sintes rampantes, híbridos entre trance épico y boogie extra-brillante, crunk expresionista y así hasta llegar a “Crystal Echo”, donde todo, de una manera muy natural, y sin querer abusar más de la paciencia del oyente –que ha sido forzada hasta justo el límite que separa el placer del dolor–. JB
2. Erik Urano & Zar 1: “Energía Libre” (autoeditado)
Erik Urano y Zar 1, ambos miembros de Urano Players, entregan catorce cortes de hip hop subterráneo, sintético y radioactivo que ahondan la brecha que separa su propuesta renovadora de la del pelotón del rap “made in Spain”. Zar 1 y DJ Porre se ocupan de forma magistral de edificar ritmos, frecuencias espaciales, sintes en órbita y scracthes tóxicos (a veces enfocados hacia un nuevo boom bap, otras más cercanos a la deformidad wonky y al beatmaking de formas abstractas de escuela angelina).
Erik saca azufre y colores de la maquinaria escrita, construyendo un manual de supervivencia urbana (crónicas de realidad cotidiana y comentario social encriptadas a base de metáforas complejas y referencias cruzadas, ejercicios líricos alrededor de la vida urbana, sus tropiezos y sus pequeñas victorias, episodios de autoafirmación y autoconocimiento necesarios para sobrellevar el día a día en medio de un mundo que hace aguas) y evasión de resonancias cósmicas que entronca con “Voyager Rock's”, dilatando su ya larga sombra con nuevas dosis de actitud e ideología. El sol vuelve a girar alrededor de Urano. Luis M. Rguez
1. The Weekend: “House Of Balloons” (Self-Released) / Drake: “Take Care” (Young Money Entertainment)
“Thank Me Later” mostraba una dirección musical dispersa, demasiado obsesionada con la idea de consenso, y fragmentaba en exceso el recorrido entre aquellos momentos de exaltación eufórica y los episodios más introspectivos y sombríos. Ese eclecticismo mal aplicado acababa contaminando parte del camino de Drake y le restaba convicción a su propuesta, ensalzando con mucha fogosidad cuatro o cinco hits incontestables pero dejando de lado muchos minutos de relleno que el paso de los días ha acabado olvidando con facilidad.
“Take Care” corrige ese problema con un concienzudo y elaborado trabajo de producción que busca más unidad estética y emocional y, también, muy importante, más cohesión con el contenido lírico de las canciones para sentar las bases de un sonido renovado, sutil, de irresistible melancolía noctámbula y urbana, que pueda capturar con la máxima fidelidad posible la intensificación emocional de sus nuevas rimas. La presencia de The Weeknd en “Crew Love” presagiaba el cambio. Y una parte de “Take Care” viene a confirmar que el autor de “House Of Balloons” es una influencia más que puntual, se diría que incluso fundamental, en la configuración general de este disco. DB
¿Existe el R&B indie? En cierto modo, los primeros maxis de Junior Boys lo eran –mezclaban una sensibilidad synth-pop romántica con beats al estilo Timbaland–, y esta mixtape de The Weeknd trae recuerdos y emociones similares a los de “High Come Down”. Primero, los responsables de las canciones también son canadienses y prefieren mantener un aura de misterio. Porque una razón importante del revuelo que han causado The Weeknd en la red está precisamente en eso, en la incógnita de su identidad. La mecha la encendió Drake vía Twitter, al escribir letras de canciones como “Wicked Games” y colgar audios en su web. Se sospechó que The Weeknd podía ser un proyecto paralelo de alguno de sus productores, pero no hay tal cosa: sólo admiración sincera por un songwriting estratosférico y una producción que se sitúa en un intervalo a medio camino entre el R&B hi-tech y el pop vaporoso con influencias de la música negra; es decir, exactamente en el punto de equilibrio entre The-Dream y How To Dress Well. ¿Por qué es fan Drake de The Weeknd? Porque ve en él a quien fue antes de dar el salto al mainstream: un cantante notable –Abel Tesfaye no rapea, sólo emite gorgoritos– y que no tiene miedo en expresar sus debilidades, deseos y miedos en letras que son como entradas de un diario personal. Este “House Of Balloons” es algo demasiado especial para ser ignorado o manchado.
Ninguna canción sobresale por encima de las demás y todas van sobradas de calidad. Otra estrella ha nacido, internet ha sido su caldo de cultivo, pero de The Weeknd no se va a reír nadie. Más bien conseguirá, con tiempo, con suerte y sin apremios, que nos postremos ante él. JB
Ok, arrancamos esta segunda quincena de 2012 con tres recomendaciones que nos llamaron la atención, algunas nuevas, otras no tanto, pero no por ello las dejamos afuera.
Karaokam Mekong
Andrés Nusser, el vocalista de la agrupación chilena Astro, lanzó su más reciente EP de su proyecto paralelo Karakoram - Mekong bajo el mismo nombre y disponible en Soundcloud.
Se trata de cuatro tracks editados por el sello BYM Records, que se vertebran en una línea similar a la de su banda: cuatro canciones cimentadas bajo la más pura psicodelia.
Su nombre nace de un juego de palabras de las palabras Superfurry Animals.
Pop acendrado y sonidos folklóricos andinos se cuelan en esta agrupación argentina comandada por Ezequiel Silvapobas, Franco Peralta, Juan Tortarolo y Jorge Jaramillo.
Lo autóctono y lo moderno a través de las guitarras y los leves sintetizadores -entre otros instrumentos- se entremezclan en su EP Coplas (2011). Folk latinoamericano con mucho para ofrecer.
Lo conocimo a través de los elegidos de la artista mexicana Gaby Cepeda, recientemente entrevistada en Underama.
Matilda Manzana es Oscar Rodriguez, un músico oriundo de México que elabora sus propios temas o hace covers de sus grupos preferidos, inclusive de los locales El otro Yo.
Hay pop, hay folk, hay psicodelia. Hay de todo, y vale la pena descubrirlo. Su EP Trópico de Álgebra da cuenta de ello.
Los 90´s musicalmente tuvieron mucho para ofrecer, sin embargo le faltaba Internet para que ese periodo fuera casi perfecto.
Pese a todo, existen dos músicos que no se olvidaron de esta década y le rinden tributo desde su tierra mexicana a través de este EP "Gracias a Dios hay Internet" de la mano de Oscar Rodríguez de Matilda Manzana y María y José.
Todo mediante el sello “intercontinental” Grabaciones Amor. Una opción para conocer a estos artistas y de yapa, nostalgiarse con los noventas. Disponible aquí.
Una tarde agradable y un disco que deja entrever los recuerdos de un viaje por las aguas de un continente de sangre caliente.
Daniel Tjäder (ex tecladista de Radio Dept.) y Marcus Joons luego de varios singles que estuvieron dando vuelta hace un par de años se animaron a lanzar su primer disco titulado “An Album by Korallreven” .
El disco no tiene desperdicio para los amantes del dream pop, chillout y los mini soniditos de esos sintetizadores que te persiguen por toda la costa del pacifico sur en busca de verano, playa y sol.
La banda de música instrumental Dirigiblepresenta su segundo trabajo discográfico titulado Judo. En él podemos encontrar 10 temas compuestos por Diego Fagalde, quien comentó a Underama que "el carácter de este álbum muestra una impronta un poco más roquera sin dejar de lado el color camarístico del ensamble".
La formación actual de la banda está compuesta por ocho músicos: Martín Fernandez Batmalle en guitarra eléctrica FX, Lucía Yanzon en violín, Paula Taboadela en cello, Diego Golszein en contrabajo, Juan Kiss en clarinete, Misael Parola en saxo alto, Gonzalo Braz en claron, Marcela Muollo en cello y Diego Fagalde en guitarra criolla. A ellos se sumaron diferentes músicos invitados para la grabación del disco, que parece haberles llevado muchas noches de trabajo a todos los involucrados. "Todo el proceso de grabación, mezcla, mastering y fabricación llevo un año. Fue grabado en muchos lugares, pero principalmente en el estudio POGO", así relata el líder del grupo el detrás de escena de su nueva creación.
Las piezas que componen este Judo son alegres, enérgicas y pueden llegar a transmitir toda una experiencia sensorial (dependiendo del grado de conexión del oyente con las melodías). Tal como lo advierten los mismos integrantes de Dirigible: "Cada canción trae en su interior un dispositivo para cambiar la percepción de la realidad".
La presentación del disco llegará en marzo, mientras tanto se consigue pidiéndolo por mensaje privado en el Facebook de Dirigiblewww.facebook.com/profile.php?id=100001349708928 o por mail a diefagalde@hotmail.com.Una "vista" previa de tres temas se puede escuchar en: dirigible.bandcamp.com
Aquí compartimos Venancio, uno de los tracks de Judo.
